martes, 22 de agosto de 2017

Alain-Paul Mallard: Nahui versus Atl

Idioma original: Español
Año de publicación: 2015
Valoración: Recomendable

"Nahui versus Atl" es una buena historia de amor que, como todo amor, contiene pasión, celos, placer y dolor, ambientada en el México de los años 20, una época de efervescencia artística en el país, y protagonizada por dos miembros destacados de la bohemia cultural de aquellos años. Es, además, un libro tremendamente sensual, lleno de imágenes evocadoras.

Son Carmen Mondragón (Nahui), poetisa y pintora, y Gerardo Murillo (Atl), pintor, los personajes reales en los que se basa esta volcánica historia. Son dos personajes antitéticos en sus orígenes, ya que Nahui procede de la alta burguesía militar contrarrevolucionaria mientras que Atl se encontraba entre los partidarios de la Revolución.

Nahui, rebelde y transgresora como nadie, rompe con su clase social, rompe con su marido e inicia una relación con Atl, con quien va a vivir a la azotea de un convento abandonado en el que Atl tiene su estudio.

Pero como ya hemos mencionado, se trata de dos fuertes y opuestas personalidades, por lo que, lenta y casi imperceptiblemente, la relación se deteriora, hasta que, como no podría ser de otra manera, todo salta por los aires.

Más allá de su argumento, resulta interesante el lenguaje con el que Mallard lo desarrolla, un lenguaje detallista y barroco, con una importante cantidad de localismos que "dificulta" la lectura. y, sobre todo, la técnica elegida por Mallard para contar la historia de"Nahui versus Atl". Pese a tratarse de un libro relativamente breve (232 páginas), consta de ¡112 capítulos!. Esto hace que cada capítulo sea una escena muy breve, apenas fotogramas en los que no hay un narrador que relate los hechos, sino que estos son meras percepciones visuales o auditivas. Esto se debe a que "Nahui versus Atl" fue guión cinematográfico antes que novela, y da la impresión de que el autor ha pretendido mantener ese aspecto "visual" en la novela. Personalmente, creo que lo logra y que termina construyendo una novela de lo más original.

Quizá se trate de una obra que los lectores mexicanos puedan valorar mejor, sobre todo por tratarse de personajes reales y relativamente famosos en México y por la recreación que realiza el autor del ambiente y de la época, pero un lector europeo que desconozca absolutamente todo sobre los personajes se encontrará también con una novela plenamente disfrutable.

Otros libros de Alain-Paul Mallard en ULAD: Evocación de Matthias Stimmberg

lunes, 21 de agosto de 2017

Colaboración. Berta Vias Mahou: La mirada de los Mahuad

Idioma original: español
Año de publicación: 2016
Valoración: muy recomendable

Siempre que abordo las primeras páginas de un autor que no conozco, necesito descubrir cuál es su «rollito» para disfrutar la lectura. Y Berta Vias, en «La Mirada de los Mahuad», despliega un «rollito» muy suyo que resulta difícil de explicar sin hacer uso de la metáfora. A menudo se compara una obra literaria con una prenda de confección, (se mide su complejidad como si fuera el patrón de una prenda que tiene más o menos costuras que son más o menos enrevesadas). Pero Berta Vias no juega en esa liga; no ha confeccionado una prenda basada en un patrón complicado. Su apuesta es más sofisticada: «La mirada de los Mahuad» es una pieza de tela circular, un tubo, como esos pañuelos que uno se mete por la cabeza, donde lo particular no es la forma que adquiere dicha pieza si no el tejido del que se compone: miles de finísimos hilos de diferente tono y textura que conforman una trama sin dos retazos iguales pero que hace continua referencia a las mismas cuestiones. Es un velo envolvente que filtra la luz (y la realidad) matizándola en cada tramo para hacer referencia a la misma idea subyacente. Y esa complejidad, esa manera de transmitir, se traslada con claridad a la estrategia narrativa de la obra: seis relatos que podrían funcionar de manera independiente pero que leídos como un todo alcanzan un nivel superior de subtexto.
Resumen resumido: seis momentos en la infancia y juventud de Elba, como seis fotogramas imprescindibles para captar la personalidad compleja del personaje, sus circunstancias, sus miedos, sus anhelos y el gran amor de su niñez (Jan) que perdura en ella con el paso de los años. Una protagonista que rebosa idiosincrasia, recovecos y contradicciones. No es tanto el qué como el cómo. Aunque, efectivamente, hay un qué común apuntado por los seis textos que es la idea subyacente que mencionaba antes: la (maravillosa) complejidad y contradicción del ser humano con los demás y consigo mismo y la fragilidad de la línea que separa la realidad pura y dura (¿existe realmente?) del producto de nuestros devaneos, de nuestras ensoñaciones y de la subjetividad de nuestros recuerdos. 
Es una obra con una factura delicada, una estrategia medida al milímetro y el objetivo de sumergirnos en una atmósfera híper-sensitiva, casi de ensoñación. Si fuera una película, en la mayoría de los relatos apenas habría diálogo, tan solo sonidos; los colores tendrían un sutil punto de sobresaturación y la cámara alternaría continuamente los planos generales a los primerísimos planos de detalle. Ese es el «rollito» de Berta Vias, al menos en esta obra en la que arriesga sabiendo muy bien a lo que juega.
La voz del narrador en tercera persona omnisciente no muestra fisuras y transmite convicción a pesar de que a menudo conduce al lector sobre las arenas movedizas de la mente y los recuerdos. Sin embargo, cuando el narrador focaliza en Elba se impregna de los vaivenes de sus pensamientos.
La estructura temporal es clara, los seis relatos están ordenados cronológicamente y siempre sale al paso algún dato que ayuda al lector a situarse.
En cuanto a los personajes, la obra gira alrededor de Elba por lo que recibimos mucha más información de ella que del resto. No obstante, la autora no analiza psicológicamente a ninguno de los personajes, si no que se limita a mostrar sus acciones para que sea el lector el que construya en su mente su visión del personaje, como en un cuadro impresionista. El amor de infancia de Elba (Jan) está más definido que el resto y cuenta, incluso, con un relato propio. Los demás personajes, apenas esbozados, albergan mucho más de lo que la autora se limita a mostrar y podemos, en algunos casos, ir más allá en su percepción.
Se trata de una novela de digestión lenta que, desde mi punto de vista, alcanza su mayor intensidad una vez la has finalizado y dejas pasar unos días antes de observar el poso de sensaciones que deja en tu mente. Independientemente de eso, encuentro que su lectura ofrece grandes momentos evocadores, sobre todo cuando habla de la infancia y, como mencionaba anteriormente, todo ese mundo sensorial en el que vive envuelta la protagonista y sus recuerdos.
Por otra parte, se recurre a la omisión de la puntuación del estilo directo para conseguir una mayor sensación de indefinición. Ni guiones, ni comillas, ni cursivas: lo que dice uno se mezcla con la descripción del cielo y los pensamientos del que está más allá. Y tú deseando que llegue un punto y aparte para tomar aire. Es cierto que así se integra mucho más el mundo interior con el mundo exterior y que no es un recurso nuevo y que no es una decisión tomada a la ligera. Pero resulta muy poco amable, sobre todo en las primeras páginas en las que el lector se sumerge con confiada ignorancia. Luego te acostumbras, aceptas la convención y te dejas llevar. Sin embargo, suele decirse que las primeras páginas de una novela tienen que transmitir su esencia (y en este caso se cumple), pero también se dice que es en las primeras páginas en las que el autor se juega que el lector persista o abandone. Y en el caso de «La mirada de los Mahuad» parece que la reafirmación de la esencia de la obra está muy por encima de querer seducir al lector. Yo persistí pero me amargó un poco el arranque. (Es mi caso y no deja de ser una subjetividad).
Por tanto. Muy recomendable porque apuesta fuerte, porque es original en su estrategia, porque tiene excelente factura y una gran capacidad para apelar a la mente y los sentidos. Eso sí, no apta para los que gusten de lecturas ligeras.

                                                                                                                             Firmado: Beatriz Garza

domingo, 20 de agosto de 2017

Erri De Luca: Adelfa, Arco iris

Idioma original: italiano
Título original: Aceto, arcobaleno
Año de publicación: 1992
Valoración: se deja leer

Me costó bastante trabajo dar con este libro, probablemente uno de los más desconocidos del autor, escrito en el comienzo de su vida literaria. Una vez leído, uno entiende que no sea fácil encontrarlo y que esté descatalogado. No se trata de uno de los mejores libros del autor, aunque tratándose de Erri de Luca, siempre se pueden encontrar pasajes que contengan la belleza a la que nos tiene acostumbrados.

En esta novela, el autor nos narra los recuerdos de un hombre mayor, ya retirado, que pasa sus últimos días en su cabaña. Sin esperar nada más que contemplar el paso del tiempo y llegar a un final que se le antoja cercano, nos cuenta los recuerdos de lo que ha sido su vida; así, rememora su infancia, cuando empezaba a mostrar su carácter de persona discreta, sin querer destacar por encima de los demás, rehuyendo las peleas propias de una infancia combativa y la competitividad típica de la edad. Nos cuenta los inicios en esos primeros años de juventud y adolescencia, que forjaron un carácter duro y obstinado, cuando sin rechistar cargaba piedras trabajando en la construcción como peón de carga. Un carácter mantenido a lo largo de su vida adulta, que luego adaptó al paso del tiempo y a los movimientos sociales, con actos de desobediencia pacífica defendiendo causas sociales en actos públicos.

De esta manera, en una continua revisión de su vida, nos va contando sus memorias de su pasado a través de las visitas que recibe por parte de antiguos amigos, que le sirven para recordar tiempos lejanos. En revisión de lo que ha sido su vida, la visita de uno de los amigos que tuvo en esa época le devuelve a los tiempos de lucha social, de saqueos, de protesta, de justicia vista únicamente según una de las partes. Asimismo, la visita le revela la evolución de la vida del que fue su amigo, con recuerdos de tiempos pasados, pasando de una vida de vida combatiente en guerrilla civil para acabar abandonando el camino de la lucha por unos ideales y convertirse en un asesino, hasta el punto de traficar con drogas cuando ser asesino perdió su sentido, cuando ha dejado de "vivir", de sentir. En otra de las visitas recibidas, esta vez a cargo de un amigo de la infancia, le explica que ha abandonado la ciudad natal para hacerse misionero debido a la necesidad de ayudar, de irse lejos de su Italia para ofrecer su colaboración en África, allí donde la recompensa por intentar hacer uno primeros pasos en lengua local son recibidos con una sonrisa («reír es su mejor cortesía»). De esta manera nos hace testigos de la dificultad de ser un misionero por todo aquello que abandonas («es una tierra exigente, te necesita entero. Si se mantiene una reserva, una nostalgia, allí pone los huevos y fermenta la derrota»). La admiración hacia su amigo, los recuerdos de su infancia donde ya se estaba formando un carácter fuerte y seguro, que finalmente se convertía en un posterior liderazgo en aquellas causas donde estaba inmerso.

Por los temas expuestos, este libro es un canto a la amistad, que las visitas de sus amigos a causa de su enfermedad hacen que renazca en forma de recuerdos, donde la vida ya en camino de disolución renace en sentimientos. Claramente es un libro menor dentro de la extensa obra publicada de Erri de Luca, pero las características de su obra son perfectamente identificables, manteniendo siempre una delicada elección de las palabras, así como los temas tratados, a menudo en torno a la defensa de las libertades y la justicia social.

También de Erri de Luca en ULAD: aquí

sábado, 19 de agosto de 2017

Sabino Méndez: Literatura universal



Idioma original: Castellano
Año de publicación:  2017
Valoración: Muy recomendable

Me falta originalidad, lo reconozco. Hasta para nacer. Lo hice en pleno baby boom hispano, esas familias que alcanzaron la tierra prometida del consumo cargadas de niños que en su adolescencia se empeñaron en ponerse hasta el culo de libertad. Nuestra banda sonora no se entiende sin Loquillo, en cuyos Trogloditas ejerció de letrista y guitarrista Sabino Méndez,  hasta que el choque de egos y la adicción a la heroína le descabalgó de los escenarios. 

Sabino Méndez (Barcelona, 1961) ha puesto a nuestra disposición en sus canciones (Quiero un camión/ escupir a los urbanos/ a las chicas meter mano) y en sus libros una mitología, un camino iniciático, una específica educación sentimental; la del chico de barrio humilde a quien la promesa de aventura del rocanrol y la literatura provee de legitimidad y método para el ascenso social. La idea no es mía, a mí me falta originalidad. Es de Germán Labrador y la ha explicado en su excelente ensayo Culpables por la literatura, donde hace un revelador repaso de aquella (desastrada) generación y sus anhelos de transgresión, originalidad y ebriedad. 

Si hasta ahora los libros de Sabino Méndez -Corre rocker, Hotel tierra, Limusinas y estrellas…- se nutrían de la realidad como horma de su escritura, en Literatura universal se cortan amarras para lanzarse a la ficción, aunque sea  encajada en unos parámetros de tiempo y espacio que son los de la propia trayectoria vital del narrador. Posiblemente haya embutidas en sus páginas identidades veladas y anécdotas y situaciones reales, dispuestas para jugar al escondite con el lector mitómano. Como hay también cientos y cientos de citas literarias, de clásicos y contemporáneos, incrustadas en el relato, formando parte de él, aderezándolo, igual que la literatura y la creatividad son parte fundamental de la vida sus protagonistas, tal y como nos recuerda el título estampado en la portada y la argucia de la carta al editor que precede al relato; la ficción como copia de la vida y de los otros libros.

Literatura universal arranca en la primavera de 1977, cuando Simón B. Sáenz Madero inicia amistad con Paco Valls y Julio Cárdenas, los más díscolos entre el grupo de los alumnos díscolos de un colegio de curas: “estábamos aún en esa edad en que aceptamos todavía con agradecimiento nuestro propio reflejo en los espejos, en los escaparates…”. Y se lanza a través de medio millar de páginas  y de citas a contarnos los devaneos, huidas, saltos al vacío, triunfos y caídas, aciertos y miserias, de este círculo de amigos de patio de colegio, de enganchados a los libros y a las sustancias alteradoras de la percepción, que no dejan jamás de acompañar, reaparecer e influir. Amigos y sustancias.

Que Sabino Méndez haga concluir al protagonista -músico, dj- de esta ficción, narrada en primera persona, que en la escritura todo era ritmo y música, una música cerebral, inaudible en la atmósfera: la combinación del sensual y silencioso ruido mental de la lógica y las emociones sentidas, resulta una afirmación tan convincente como inapelable. Palabra, música, literatura, de un autor tocado por el talento y la perspicacia. Pese a mi total falta de originalidad, eso sí sé reconocerlo.

viernes, 18 de agosto de 2017

Helen Oyeyemi: Boy, Snow, Bird. Fábula de tres mujeres

Idioma original: inglés
Resultado de imagen de boy snow bird amazonTítulo original: Boy, Snow, Bird
Año de publicación: 2014
Valoración: Recomendable




En esta Fábula de tres mujeres el punto fuerte son los personajes femeninos y el más débil la fábula. La onomástica es clave: quién llamó así a Boy habría deseado que fuese un chico, Bird debía ser libre como un pájaro, Snow necesitaba un sortilegio para parecer blanca a toda costa, en su familia ya había una Clara pues la genética por sí sola no siempre hace milagros.
El relato está a cargo de Boy y Bird. La primera se encarga de introducir y rematar los hechos en un primer bloque narrativo que la presenta recién iniciada la veintena y en un tercero, el más sólido de todos, que tiene lugar unos quince años más tarde. Entre medias, Bird expone su (algo endeble) punto de vista desde una adolescencia incipiente. Pero en obras de ficción es arriesgado dar la palabra a quien no tiene todos los datos ni madurez suficiente para interpretar lo que tiene delante. No falla lo que cuenta sino la forma de contarlo, en este caso, cuánto más adulta es la narradora más verosímil resulta su discurso. Ni siquiera un argumento tan magnífico y tan magistralmente desarrollado impide que el conjunto se tambalee a veces. A quien detecte algo así le recomendaría que tuviese paciencia. Las riendas están bien sujetas, Oyeyemi sabe perfectamente adónde se dirige, lo que falla es el tono.
Claro que no es poca cosa. Hablamos de una historia realmente dura desde muchos puntos de vista, con alguna escena sobrecogedora de esas que se graban para siempre, que plantea asuntos tan candentes y sensibles como el maltrato infantil, el racismo –en particular el de los que no asumen su etnia–, el papel de los progenitores (biológicos o no), el rencor, la amistad, el amor que perdura y el que se evapora, la ambivalencia de los roles de género etc. Cuestiones tan crudas y despiadadas o tan encantadoras y tiernas como la vida misma, que al transmitirse por medio de voces más o menos infantiles, con un tono que oscila entre la fábula con toques mágicos que no llegan a concretarse del todo y la objetividad más absoluta, no siempre resultan creíbles. Que la autora se haya inspirado en el cuento de Blanca Nieves (pero solo se menciona a Cenicienta) constituye un lastre que solo se supera en el último tercio.
Pero la cuestión va más allá. ¿Cómo conseguir que una vocecita infantil y llena de fantasía perfile unos personajes tan torturados y poliédricos como los que aparecen aquí sin caer en contradicciones? De ninguna manera. Oyeyemi ha logrado un elenco magnífico, del que atisbamos rasgos destacables, que no llega a definir por completo debido, una vez más, a ese tono dichoso a medio camino entre la novela y la fábula. Recordemos que esta forma de narrar se ha utilizado a menudo para dar voz a personajes que se mueven en la periferia social (ej: Tigre blanco) o a los que se restringe la libertad de alguna forma (Doña Oráculo). A veces los retratados no son simples individuos sino etnias o estirpes enteras y entonces la fantasía debe elevar aún más el vuelo tomando la forma de realismo mágico (Cien años de soledad, Beloved). Es la manera de decirlo todo y no decir nada a la vez, de sugerir en lugar de denunciar, de sincerarse sin alimentar represalias. Aunque no siempre ocurre así, pienso en Los versos satánicos, cuya naturaleza críptica e imaginación desbordante no sirvieron de gran cosa a su autor. 
Fabular implica una renuncia a los esquemas realistas sustituyéndolos por símbolos, alusiones y metáforas, algo que Oyeyemi no ha hecho, recurriendo a una hibridación que no funciona, ya que utiliza una fórmula demasiado simple para mostrar una realidad compleja y muy bien delimitada. Una realidad que considero un filón en potencia al que haría falta la mano firme de un Conrad o un Faulkner para ser explotada a fondo. El hecho es que faltan modelos en este terreno –por ahora– y que, tanto ella como otras escritoras, parecen estar dispuestas a crearlos. Cuando esto se lleve a término, los problemas específicos de la mitad del género humano adquirirán la categoría de universales.
Finalmente, nos queda una sensación de optimismo con el que no sé si estoy de acuerdo. La esperanza siempre es agradable, pero me pregunto si el horizonte que se vislumbra resulta del todo creíble.  

jueves, 17 de agosto de 2017

Ignacio Álvarez-Ossorio: Siria

Idioma original: español
Año de publicación: 2017
Valoración: recomendable

Si me permitís un símil algo frívolo, nadie escribe una crónica de un partido que aún no ha acabado. Podría hacerse, claro, pero los flecos quedarían colgando y no creo yo que, aunque aquello esté muy lejos y, inocentes nosotros, pensamos que no puede afectarnos de cerca. Me refiero a Siria. País tan desmoronado o más que la Libia del libro de Jon Lee Anderson y país del que si su presente ya es un caos qué vamos a decir de su futuro, pero es bueno, y es interesante, que Álvarez-Ossorio intente explicar un poco qué es lo que sucede, aunque no se atisbe un final o incluso aunque el final que se atisbe sea una catástrofe que no tiene aspecto ninguno de ser bueno. Siria es el tumor de Occidente y su metástasis es imparable y emplear términos sórdidos y desagradables puede hasta que ayude a tomar consciencia.
Por variados motivos. Porque el conflicto parece ser un incendio que se extingue, porque determinada ciudad haya caído o determinado líder de ISIS haya sido alcanzado por algún ataque con algún dron o alguna bomba inteligente (oh, qué quirúrgicos y qué inteligentes somos los Occidentales oponiendo siempre la calidad de nuestra tecnología frente a la visceralidad y primitivismo de la pura fuerza bruta derivada de la cantidad del enemigo). Porque los mecanismos occidentales son generar optimismo y confianza y convicción en la victoria y decir constantemente que solamente se trata de tiempo y que su poder organizativo queda reflejado en lo cutres que son sus ataques, que ya no tienen aviones ni pilotos suicidas y que ya tienen que aferrarse al loco (ya ni se le llama célula) que se enfada un día y coge el cuchillo del pan de su casa. Porque si no se hubiera producido la oleada migratoria y el severo conflicto de los refugiados y todo se limitara a unos cuantos Hummer recorriendo carreteras llenas de baches y a comunidades con matices étnicos y religiosos que no nos preocupamos de entender matándose entre ellas por cuatro colinas donde llevar los camellos a pastar no nos estaríamos implicando lo más mínimo. O sea, cero. Pero el problema se extendió, y como en los atentados de las Olimpiadas de Munich o en el 11-S todo nos ha invadido. Y los refugiados reclaman nuestra atención y los atentados asolan nuestros plácidos lugares de turismo chic y hay que entender o interesarse.
Y este ensayo ayuda en lo que buenamente puede. Ante la limitación de una realidad cambiante y una evolución que acarrea confusión, con cambios de bando, confluencias de políticas a tres y cuatro bandas, los intereses económicos de la zona, la influencia de los grandes estados musulmanes, la perversa figura de Al Assad, practicando el surf a base de parecer a ratos el enemigo y a ratos el amigo (por el hecho de ser también enemigo de otros enemigos), buscando apoyos con los que cumplimentar su plan de perpetuarse en el poder.
Ossorio lo explica y nos recuerda, tanta bomba y tanto muerto en el conflicto y en las aguas del Mediterráneo pueden haber hecho que lo olvidemos, que Siria sólo fue otro de los escenarios de la Primavera Árabe del 2011, aquel movimiento alabado en todo el mundo que debía suponer democratización de unos cuantos estados, pero que fue el escenario en que ese movimiento no llegó a triunfar, y de ese conato surgió ese conflicto que tantos se han empeñado en capitalizar.
Un ensayo detallado explicativo, detallado, exhaustivo, neutro en su planteamiento, una puesta al día sobre un conflicto de cuyo capítulo final parecemos estar, valga la paradoja, cada día más lejos.



miércoles, 16 de agosto de 2017

Ngũgĩ wa Thiong'o: No llores, pequeño

Título original: Weep not, child
Idioma original: Inglés
Traducción: Alicia Frieyro Gutiérrez
Año de publicación:1964
Valoración: Recomendable (o algo más)

Ngugi Wa Thiongò es uno de los eternos favoritos al Premio Nobel y eternos, al menos hasta el momento de publicación de este reseña, no ganadores del mismo. Personalmente, y habiendo leído unicamente dos libros del keniata, me atrevo a afirmar que sería un más que digno ganador.

Ya reseñamos en este visionario blog "Sueños en tiempo de guerra", memorias del escritor, y coincido plenamente tanto con la reseña como con la valoración. Se trata de un gran libro.

En esta ocasión reseñamos la primera novela del autor, escrita hace más de cincuenta años. Se trata de un libro con un fuerte caracter autobiográfico o, al menos, esa impresión da tras haber leído "Sueños en tiempo de guerra". En este caso, se ambienta en la época final de la colonización inglesa y en los efectos de la misma y de la revuelta de los Mau-Mau (1952-1960) sobre los miembros de la familia de Ngotho, en particular sobre el propio Ngotho y sobre Njoroge, su hijo pequeño.

La novela transita de lo general a lo particular. En su primera parte, Thiongó describe ambientes, personajes y situaciones, haciendo especial hincapie en las relaciones sociales, familiares, culturales y económicas en la Kenia de finales de los 50. A modo de ejemplo: el acceso a la educación del pueblo kikuyu, la poligamia, la segregación racial, la cuestión de la tierra, las relaciones con los colonos blancos, etc. Esta parte del libro es, en mi opinión, la más interesante. Con un estilo aparentemente sencillo, que parecer beber en abundancia de la rica tradición oral africana, Thiong'o logra envolver al lector en la historia (o en las múltiples historias). Ese es su gran mérito: hacer fácil lo difícil.

La segunda parte se centra más en la propia revuelta y en su influencia sobre el vitalista y optimista Njoroge, quien trata de "ascender" a través de la educación. Esta segunda parte, mucho más dura que la anterior, creo que está menos lograda. Pese a que los personajes están, en general, bien construidos y siguen una evolución coherente, las situaciones son resueltas por Thiong'o con demasiada celeridad, como si hubiese una cierta premura por terminar la novela. Los hechos y el final, ojo que no es un mal final, se precipitan y dejan un regusto algo amargo después de una primera parte tan prometedora.

En cualquier caso, se trata de un buen libro, aunque algo inferior a "Sueños en tiempo de guerra". Pese a todo, es una buena oportunidad de acercarse a la obra del keniata, no vaya a ser que este año le den el Nobel y no puedas presumir de haberle leído antes.

También de Ngugi Wa Thiong'o en ULAD: Sueños en tiempo de guerra

martes, 15 de agosto de 2017

Mary M. Talbot, Kate Charlesworth & Bryan Talbot: Sally Heathcote, sufragista

Idioma original: inglés
Título original: Sally Heathcote, Sufragette
Año de publicación: 2014
Traducción: Lorenzo Díaz
Valoración: recomendable

A día de hoy (aunque a saber hasta cuándo) el Gobierno del Reino Unido está dirigido por una mujer y no es la primera que lo hace. Pero no está de más recordar que hace tan sólo cien años, que no son tantos como parece, las mujeres británicas ni siquiera podían votar (ni las españolas, ni las francesas, ni un largo etcétera...); el derecho a hacerlo lo consiguieron tras una larga lucha protagonizadad por unas damas con atuendos victorianos, coloridas bandas  y pancartas reivindicativas, que conocemos por el nombre de "sufragistas" -sufragettes en inglés-;unas combativas mujeres que, seguramente por eso mismo y pese a la justicia del innegable logro que consiguieron, no han salido bien paradas en retratos posteriores que se han hecho de ellas (aunque reconozco que no he visto aún la película titulada, precisamente, Sufragistas): en el mejor de los casos, suelen aparecer como unas simpáticas excéntricas; en el peor, como unas fanáticas exaltadas e intransigentes.

Obras como este cómic sirven precisamente para cambiar esta percepción que se tiene de las sufragistas. Y no porque nos dé una visión edulcorada de este movimiento político -incluso yo diría que todo lo contrario-, sino porque relata de forma pormenorizada pero amena la dureza de la lucha que llevaron a cabo, las dificultades y prejuicios que debieron superar para la consecución de sus justos objetivos (y no de todos, pues, por ejemplo, la equiparación salarial ente hombres y mujeres sigue sin conseguirse).  También cuenta las vicisitudes internas que vivió el movimiento sufragista, sus divisiones, rivalidades y traiciones .... como ocurre en el seno de cualquier organización humana, por otra parte. No olvida señalar, además, las otras injusticias de la época, como lasa derivadas de las diferencias de clase social, pues la protagonista, Sally Heathcote, comienza su andadura como criada de la famosa Emmeline Pankhurst, rescatada por ésta de una de aquellas dickensianas workhouses.

De hecho, aunque la protagonista de esta novela gráfica , exquisitamente ambientada en la época eduardiana sea un personaje ficticio, aparecen muchas de las figuras reales y destacadas del sufragismo británico, desde, obviamente, la señora Pankhurst y sus hijas Christabel y Sylvia, al matrimonio Pethick-Lawrence, Hannah Mitchell -al parecer, la activista que le inspiró a la guionista Mary M. Talbot el personaje de Sally- o la no menos célebre (por un motivo más luctuoso) Emily Davidson. ya digo que no todas salen siempre favorecidas: este libro no es una hagiografía, ni tampoco se ocultan las derivaciones casi terroristas -o sin casi- que surgieron del movimiento, como la protagonizada por las "Young Hot Blood".  Es muy interesante, además, comprobar las concomitancias que la lucha del movimiento sufragista tenía, al menos en cuanto a los métodos empleados y el debate interno sobre la licitud de éstos, con otros también contestatarios que habían surgido por la misma época en el seno del todopoderoso Imperio Británico: los socialistas, sindicalistas o los fenianos irlandeses.  No menos ilustrativa es la represión efectuada por las fuerzas del aparato del Estado, en este caso contra las sufragistas.

En cuanto al aspecto gráfico de la obra, destacar, junto al detallismo de que hace gala, el sabio uso de los toques de color, que hacen de contrapunto al blanco y negro general, además de servir para destacar a determinados personajes y crear ambientes. La muy cuidada edición no se queda atrás en cuanto a calidad, y convierten en una experiencia  de lo más placentera la lectura de este libro.





lunes, 14 de agosto de 2017

John Lanchester: El puerto de los aromas



Idioma original: Inglés
Título original: Fragant Harbour
Año de publicación: 2002
Traducción: Javier Lacruz
Valoración: Recomendable

Devorada por primera vez hace ya más de una década, tenía la lectura de El puerto de los aromas alojada en mi memoria en el rincón de las novelas magníficas. Recordaba haberla leído con asombro y delicia y, pese a no haber retenido demasiados detalles de la trama (ni tan siquiera el desenlace), flotaba en mi cada vez más galopante amnesia la sensación de historia redonda excelentemente contada. Con la torva actitud de aquel que se reserva con lujuria un bocado que ya sabe de excepción, la nueva zambullida en El puerto de los aromas ha sido agradable y placentera, aunque tampoco tan extraordinaria como el recuerdo me prometía.

Desde luego, la narración es fluida y la lectura por sus páginas se desliza fácil y veloz. No se precisa volver atrás ni se nos hace caer en profundidades ni recovecos. La novela va y vuelve de Londres a Hong Kong a lo largo del periodo que corre desde los años 30 hasta finales del siglo XX –en que la colonia británica fue restituida al Gobierno chino-. Lo hace esencialmente de la mano de su gran protagonista, Tom Stewart, que con veinte años parte de las orillas del Támesis buscando un horizonte más abierto y llega al gran puerto meridional de China donde transcurrirá el resto de su vida.

En El puerto de los aromas hay aventura, incertidumbre, momentos delicados, en los que la propia vida parece estar a milímetros de ser aniquilada, que son la sal y pimienta de la trayectoria de una persona discreta, prudente y razonable, hecha a sí misma y a la que, en términos generales, parece haberle ido más que razonablemente bien. Todo efectivamente relatado con amenidad y ligereza, con abundante aliño de ironía y buen humor y “con ese permanente aspecto de asombro cortésmente reprimido ante la comedia humana”, tal como el autor caracteriza a uno de los personajes.

Y sin embargo… La singladura de Tom Stewart y la trama de El puerto de los aromas depara sorpresas, novedades, giros inesperados, reencuentros imprevistos pero también una sensación de excesiva corrección, de desmedida contención; una vida sin toparse con la duda, sin cometer error, sin cargar con el defecto, sin caer en el desánimo, sin dejarse arrastrar por la pasión… Bien. De acuerdo. Tom Stewart es británico, se puede alegar. Pero, aún así, tan británico… 

Junto al protagonista principal, el autor, John Lanchester (Hamburgo, 1962), enriquece la trama con los puntos de vista de Dawn Stone, una periodista inglesa que se instala en Hong Kong a mediados de los 80, y de Matthew Ho, un joven empresario chino que asienta a su familia en Australia en previsión de que el dominio británico de Hong Kong acabe con la prosperidad de la ciudad-puerto-refugio. Con su razón de ser, su incansable empuje, su poderoso atractivo. Que, por supuesto, y la descripción de su aroma en la novela es uno de sus méritos, no es otro que el flujo del dinero circulando, escondiéndose o exhibiéndose, transformándose, reproduciéndose. Así al menos lo retrata con convicción John Lanchester en al menos tres pasajes de El puerto de los aromas. El dinero, además de no mentir, “es el único tema en el mundo que hay que tomarse completamente en serio”. Poca broma. ¿Será?

domingo, 13 de agosto de 2017

Victoria Broackes, Geoffrey Marsh (Edit.): David Bowie IS


Idioma original: inglés
Título original: David Bowie IS
Año de publicación: 2016
Traducción: Ezequiel Martínez Llorente
Valoración: imprescindible

Aprovechemos que estamos en el fin de semana más vacacionado en el hemisferio Norte para darnos un pequeño descanso de eso que, urgh, llamamos, literatura pura. Sin dejar de ser fieles y coherentes con el título de este blog, por eso. Y esto es un libro, no os quepa duda. Un librazo en todos los sentidos porque pesa como dos kilos, bastante más que un laptop de última generación, porque su hábitat natural es la posición horizontal en una mesa de centro, y porque no requiere una lectura urgente de arriba a abajo, prestándose a ello pero admitiendo el típico hojeo displicente tan dado a estas calurosas épocas.
David Bowie IS podría pasar por ser un lujoso catálogo de la exposición de igual título que ahora se muestra al público en Barcelona, pero hay que aclarar que no es solo eso. No es solo un montón de páginas donde se da un exhaustivo repaso visual a toda la historia del músico británico. Un artista que, en todas sus épocas, pero muy particularmente en esas época dorada que se corta de forma algo brusca en Scary Monsters para renacer, bien entado el milenio y bien cercana su desaparición, con sus dos brillantes últimos discos. 
El aspecto visual, obvio, es apabullante; fotos de modelos usados en vídeos y conciertos, imágenes icónicas de sus discos y sus actuaciones, story-boards de su copioso material audiovisual, fotos de archivo desde las cuales asistimos a esa evolución pendular: el adolescente escorado a la imagen mod, el joven presa de todos los excesos, pelo naranja, cejas afeitadas, expresión a la vez ausente y acelerada, siempre con una actitud equidistante entre cierta flema innata y un evidente gusto por la provocación, de vuelta al hombre maduro sobrio y elegante, con una impensable aura narcisista llevada con una naturalidad sobrenatural.
Casi da grima pensar en el escaso peso e influencia (salvo contadísimos ejemplos,  ninguno de los cuales me viene a la mente) que la imagen de los artistas actuales de referencia en el mundo de la música tiene hacia sus legiones (ejem) de admiradores, y tenemos aquí un catálogo de distintas imágenes, de reinvenciones constantes en lo estético y en lo musical, de deglución de influencias y regurgitación, la mayoría de las veces, con pleno acierto. 
En fin: no corresponde a este blog hablar de la carrera musical de Bowie. Pero sí comentar este libro. Con un texto meticuloso y objetivo donde no se repara en detalles ni en juicios no siempre reverentes. Bowie fue un artista reptílico en todos los sentidos, capaz de recuperar una y otra vez su capacidad de sorpresa, y me da que su voraz curiosidad cultural tuvo mucho que ver. Curiosidad extendida a muchos aspectos de su vida, tal como los brillantes textos se ocupan de detallar sin ápice de pronunciación, sin dejes de admiración fanática. Porque, sobre todo entre los 90 y hasta 2010, Bowie quedó en un segundo plano y publicó bastantes discos intrascendentes. Pero en los 70... exploró en la música, en la cultura, en el sexo, en las drogas. Liberó a toda una generación de barreras y de cortapisas, de corsés de todo tipo y, como dijo una emocionada Annie Lennox en uno de los múltiples homenajes que se le rindió, demostró que estaba bien ser diferente.
Este libro es un espectáculo, incluso para ajenos por completo al círculo de incondicionales del músico. Es un lujo, un stendhaliano exceso visual. Uno puede, si es de ese tipo de personas, poseer montones de libros de fotografías. Mil rincones de New York, Fotos clásicas de Ferrari, 500 jardines de Japón. Pero ninguno como este.


sábado, 12 de agosto de 2017

Sorj Chalandon: La cuarta pared

Idioma original: francés
Título original: Le quatrième mur
Año de publicación: 2013
Valoración: recomendable

Como ya nos tiene acostumbrados, Sorj Chalandon utiliza la escritura para expulsar los demonios internos que le persiguen tras años de periodismo en países en conflicto. Y hace bien, a tenor del resultado conseguido en sus obras.

En esta novela el autor trata de exponer los conflictos existentes a finales del siglo XX en el Líbano, zona que cubrió cuando ejercía como corresponsal del diario Libération. De forma parecida a sus anteriores novelas, Chalandon se pone en el papel del protagonista para narrarnos su visión de lo que sucede en los territorios en conflicto, ya sea en Irlanda con sus novelas «Mi traidor» y «Regreso a Killybegs» o en el Líbano como ocurre con ésta.

La novela empieza situándonos en medio de una revuelta en París, en el año 1974. En ella coinciden Sam (un emigrante griego bregado en múltiples luchas por defender sus ideales e hijo de judíos perseguidos por los nazis), Georges (un joven idealista que de inmediato ve en Sam un ídolo y un ejemplo a seguir, por lo que representa y lo que luchó en su juventud) y Aurore (una joven, pocos años más joven que Georges, también activista de izquierdas y actriz).

Situados los personajes, la novela avanza rápidamente y nos cuenta que, al cabo de un año, Georges, narrador absoluto de la historia (y alter ego del propio Chalandon), se casa con Aurore, abandonando la lucha en la calle para formar parte de una compañía de teatro donde Sam ejerce de director. Así, sus reivindicaciones pasan de la lucha en las calles a transmitir sus ideales a través del teatro, y se unen a las causas sociales reclamando y ampliando sus derechos, ya no únicamente en aspectos de ámbito internaciones, sino también en causas más locales, dando soporte a los sindicalistas que se manifiestan reclamando más derechos laborales.

Años después, sus vidas se reencuentran tras una visita de Georges al hospital, donde Sam está ingresado por cáncer de pulmón, y con un pronóstico que le situa en sus últimos meses de vida. Mientras Georges lamenta la poca relación que han tenido en los últimos años, Sam le explica que finalmente ha conseguido encajar las piezas para representar «Antígona» en el centro de las tierras en conflicto de Oriente Medio. Su intención es representar la obra con actores de todos los bandos implicados en el conflicto: chiitas, palestinos, cristianos, drusos, maronitas, etc. En ese estado de salud frágil, y sabiendo que no lo queda mucho tiempo de vida, Sam le pide que sea él el que se encargue de representarla, con el objetivo de parar, ni que sea durante unas pocas horas, la guerra existente, uniendo en un mismo espacio los diferentes bandos compartiendo una misma representación teatral.

Chalandon utiliza la idea de la obra de teatro para situarnos en el centro del Líbano y, con el viaje de Georges al Líbano, para tratar de convencer a los distintos actores, nos sitúa en el corazón de cada uno de los territorios en guerra exponiéndonos sus ideologías. La intención es buena y está bastante lograda, aunque una mayor profundidad en la exposición de las diferentes convicciones y algo más de contexto histórico le hubieran añadido algo más de trascendencia. Aun así, el propósito y el resultado son suficientemente buenos para tenerte atrapado entre polvo, arena, noches de insomnio entre disparos constantes y olor de pólvora buscando un objetivo.

En momentos que pueden recordar a Maouawad por la visceralidad de las emociones sentidas en países donde la violencia es una compañera más del día a día, Chalandon nos ofrece la mirada de la guerra a través de los ojos de quien llega a un territorio con la paz en su interior. El autor es hábil describiendo la situación, la angustia, la incomprensión. La dificultad en convencer a los diferentes actores y los problemas encontrados en avanzar y sobrevivir en el territorio es claramente el punto fuerte de esta emotiva historia y su punto más logrado. El retrato que hace de la guerra es sobrecogedor, en una tierra poblada de ejércitos de diferentes ideologías, donde bajo los ojos de uno es enemigo todo aquel que no simpatice por su causa.

Narrado a través de las propias vivencias, Chalandon revive su experiencia e intenta liberar los recuerdos que le persiguen después de ver con sus propios ojos la crueldad y miseria del conflicto. El autor nos habla de la guerra, de la que ocurre y también la que se intuye; la devastación de los pueblos, la muerte de los cuerpos y la desesperanza de los vivos, o de lo que queda de vida en ellos. La dificultad de encontrar un encaje que satisfaga a todos, aunque con que el respeto y la tolerancia a las demás religiones e ideologías sería suficiente premio ante tal desafío. Hay momentos realmente intensos en el libro, especialmente cuando nos encontramos en pleno conflicto y sufriendo con el protagonista. Sin ninguna duda, esa es la mejor parte del libro que, aunque le cuesta coger ritmo y continuidad, una vez lo consigue te atrapa irremediablemente. La sensación que deja esta obra es la de un tremendo vacío, tan vacío como lo es la esperanza de aquellos que, a su pesar, siguen anclados en el territorio sin un futuro esperanzador.


También de Sorj Chalandon en ULAD: Mi traidor, Regreso a Killybegs

viernes, 11 de agosto de 2017

Reseña interruptus: Un hombre enamorado, de Karl Ove Knausgård

Título original: Min Kamp. Andre bok

Idioma original: Noruego
Traducción: Kirsti Baggethun y Asunción Lorenzo
Año de publicación: 2009
Valoración: De psiquiátrico

Borrador de "Mi lucha", by KoldOve Knausgard:
Esta mañana me he levantado a las 7:30, con unas ganas irreprimibles de mear. He ido al baño y he vuelto a la cama. Como me aburría, he intentado arrimar cebolleta. Desgraciadamente, me han rechazado, así que he tenido que ir al baño y hacerme un paja. Me he limpiado con papel higiénico rosa con ositos. Después, he dudado entre subir al monte y coger la bici. He optado por pedalear y he tirado para la zona de Villaverde de Trucios (nota mental, incluir algún hecho de hace 25 años que me pasara en Villaverde) y me han salido 90 kilómetros muy agradables, con bonitos paisajes y las buenas sensaciones (dedicarle 150 páginas, llenándolas de más paja y más pajas). 

A que os importa entre poco y nada? Pues lo mismo que a mi todo lo que cuenta Karl YOve Knausgard. Pese a todo, he llegado hasta la página 354 (más de la mitad de libro!), pero ya no puedo más. Tanto yo, yo, yo, yo... Tanta nada, nada, nada, nada...

Mucho he aguantado. Podría haberlo dejado en la página 70, después de una apasionante narración de Karl YOve sobre la fiesta de cumpleaños a la que ha de llevar a su hija. Pero he seguido, en espera de algo (así, en general), pensando que toda esa nada conduciría a algún sitio, que 630 páginas (solo de este segundo tomo) han de decir algo.

Pero no. No conduce a nada, no transmite nada, no me llega. Sé que hay gente que idolatra a Karl YOve (hola Marc, hola Mónica), pero no es mi caso.

Personalmente, me aburre, me deja indiferente y, por momentos, me cabrea tanto yo, tanta mi lucha, tanto vacío, tanta ausencia de tensión narrativa, tanta aridez. No sé qué quiere contarnos Karl YOve, dónde quiere llegar. Quiero pensar que se trata de un ejercicio de autoexorcismo, de expulsión de demonios interiores y tal, pero no alcanzo a verlo. De hecho, la mayor parte del tiempo me parece un ejercicio de autoafirmación exento de ironía, falto de autocrítica, además de aburrido y hueco.

Como no quiero crear cismas entre la miembros del blog (ni entre nuestros followers), admitiré que quizá estemos ante un genio incomprendido, de esos que en su época genera tanto amor como odio. Quizá, aunque no lo creo (igual estoy equivocado). Eso sí, lo que no admitiré son las comparaciones con Proust. Por ahí no paso.